Durch die Gegenwart zu gehen bedeutet, sich durch ein Labyrinth zu bewegen. Ein Labyrinth ohne Ausgang, in dem Bilder, Erzählungen und Krisen sich vervielfachen, verschieben und ineinander zusammenfallen. Manche Wege sind grell beleuchtet, andere liegen im Schatten; einige Wände bestehen aus Spektakel, andere aus Schweigen. Je tiefer wir wandern, desto deutlicher wird, dass Sehen niemals neutral ist: Was wir sehen, wird durch die Systeme bestimmt, die unseren Blick rahmen, und was wir nicht sehen, bleibt oft absichtlich verborgen.
EYES WIDE SHUT versammelt sieben Künstler:innen aus der Schweiz, Polen, Italien und Frankreich, deren Werke uns dazu auffordern, zu hinterfragen, wie wir schauen – und warum wir so oft wegschauen. Der Titel benennt das Paradox unserer Zeit: weit geöffnete Augen, überflutet von Bildern von Katastrophe, Ungerechtigkeit und Zusammenbruch, und doch verschlossen gegenüber ihrer Realität, ihren Konsequenzen, ihrem Ruf nach Reaktion. In diesem Zustand gleichzeitiger Sichtbarkeit und Blindheit wird Wahrnehmung selbst zu einem Ort der Mitverantwortung.
Der Weg beginnt mit Vaste Programmes It’s all fun and games. Zunächst ruft die vertraute Form eines Guckkastens Assoziationen von Vergnügen hervor: eine Einladung, das eigene Gesicht einzusetzen, für einen Moment in ein anderes Leben zu schlüpfen – zum Spaß, zur Belustigung. Doch hier gehören die gemalten Körper nicht zu Jahrmarktsfiguren oder exotisierenden Klischees; sie gehören zu Menschen, die durch Katastrophen vertrieben wurden. Um die Ausstellung überhaupt sehen zu können, muss man durch ihre Silhouetten blicken. Die Geste ist unangenehm, ja beschämend. Die Arbeit konfrontiert uns mit dem Mechanismus des Spektakels selbst, damit, wie Leid zum Hintergrund für Unterhaltung wird, wie die Grenze zwischen Empathie und Voyeurismus überschritten wird, ohne dass wir es bemerken.
Von dort führt der Pfad weiter zu Gabriel Orłowskis Bedlam. Seine Fotografien reihen sich an der Wand auf wie Fragmente einer Welt, die sich einer einfachen Lesbarkeit entzieht: überfüllt, überhitzt, chaotisch. Infrastruktur aus Resten zusammengezimmert, Handel auf improvisierten Märkten, Arbeit unter beinahe unmöglichen Bedingungen. Zunächst überwältigen die Bilder, erzeugen die gleiche Verwirrung wie das Betreten eines Ortes, dessen Überlebensregeln unbekannt sind. Doch wenn der Blick verweilt, erscheint ein anderes Muster: verborgene Systeme des Austauschs, der Reparatur, der Resilienz. Aus scheinbarem Chaos entsteht Ordnung – eine Herausforderung für die Annahme, dass Chaos gleichbedeutend mit Scheitern sei. Orłowskis Linse erinnert uns daran, dass unsere Blindheit oft eine Entscheidung ist, ein Verweigern des Hinsehens, weil alternative Logiken des Überlebens die Dominanz unserer eigenen in Frage stellen.
Plötzlich wird der Blick abgelenkt, angezogen von einem Erdhügel, auf dem ein Fernseher in unheimlichem Licht flimmert. Daniel Martínez’ Still Life zeigt endlose Bilder von Katastrophen: Überschwemmungen, Waldbrände, Stürme, Erdrutsche. Die Bilder tragen die Autorität von Nachrichtenaufnahmen, sind jedoch vollständig künstlich – von einem Algorithmus erzeugt. Ihre Fiktionalität verrät sich in Details: Glitches, Green-Screen-Reste, Risse im Spektakel. Hier ist Technologie nicht nur ein Fenster zur Katastrophe; sie produziert sie, konsumiert Erde. Die Betrachtenden geraten in das unangenehme Bewusstsein, dass unsere Beziehung zur Krise vermittelt, inszeniert und ästhetisiert ist – dass wir eher Zuschauer:innen sind als Zeug:innen.
Weiter ins Labyrinth hinein öffnet Chiara Bertins We will leave the weeds einen Raum des Zuhörens. Cyanotypien hängen wie Schatten der Erinnerung, und über Kopfhörer füllen die Stimmen italienischer „Mondine“-Frauen den Raum – Arbeiterinnen, die in den 1920er-Jahren Lieder von Arbeit und Widerstand in den Reisfeldern sangen. Beinahe aus der Geschichte verschwunden, hallen die Balladen in die Gegenwart und verknüpfen vergangene Kämpfe mit solchen, die noch immer andauern: der Kampf um Würde, die Weigerung, ausgelöscht zu werden. Die Installation insistiert darauf, dass Vergessen niemals neutral ist. Was wir nicht mehr sehen, was in den Randzonen der Geschichte verschwindet, lebt weiter unter der Oberfläche – wie Unkraut, das sich jeder Auslöschung widersetzt.
Aus diesem Übergang heraus taucht man ein in die irisierende Welt von Océane Jacobs Camouflage. Auf den ersten Blick überwältigen die Leinwände mit Fragmenten von Flossen, Schalen und Schuppen, vergrößert zu kaleidoskopischer Detailfülle. Der Effekt ist hypnotisch – ein Fest der ozeanischen Schönheit im Mikroskopischen. Doch allmählich tritt etwas anderes hervor: sorgfältig eingearbeiteter Plastikmüll, kaum von den natürlichen Mustern zu unterscheiden. Seine Entdeckung löst ein schmerzhaftes Wiedererkennen aus: Dieses Paradies ist längst kontaminiert. Was unberührt scheint, ist bereits vergiftet; was glänzt, ist zugleich verdorben. Je länger man schaut, desto schwerer wird es, die Störung wieder unzu-sehen.
Der Weg verengt sich und führt zu Aleksandra Cegielskas Tuesday Never Come. Von oben herab schwebt eine monumentale silberne Vulva über einem Sockel aus rosa Fell. Aus der Ferne beeindruckt sie durch ihre Größe, ihren theatralischen Glanz, ihre unapologetische Präsenz. Doch aus der Nähe erscheint eine rote Naht – eine diskrete, fast verborgene Spur von Arbeit, Wunde, Narbe. Das Werk bringt Monumentalität und Intimität, Parodie und Verehrung zusammen und konfrontiert die Misogynie, die in Sprache und Kultur eingebettet ist, während es zugleich auf eine neue Art von Monument besteht – eines, das Würde fordert für das, was lange verspottet oder geleugnet wurde.
Am Ende des Labyrinths steht Matthias Amslers See You Again. Der Pestizidschrank wirkt zunächst wie ein gewöhnliches Objekt des bäuerlichen Alltags und trägt doch vielschichtige Geschichten – persönliche, kulturelle, globale. Unberührt seit dem Tod von Amslers Vater im Jahr 2002, verkörpert der Schrank Verlust, Erbe und die stillen Vermächtnisse der industrialisierten Landwirtschaft. Leere Verpackungen verbotener Pestizide verweisen auf Mitverstrickung: Stoffe, die in der Schweiz verboten sind, zirkulieren anderswo weiter und hinterlassen Spuren der Zerstörung in entfernten Landschaften. Innerhalb der Ausstellung wird der Schrank zu mehr als einem persönlichen Relikt. Er fordert uns auf, die verborgenen Netzwerke zu betrachten, die individuelle Biografien mit globalen ökologischen und ökonomischen Systemen verbinden. Er lädt dazu ein, über das Unsichtbare nachzudenken: die langsame Anreicherung toxischer Rückstände in Böden, Körpern und Erinnerungen – und darüber, wie Alltagsobjekte globale Konsequenzen tragen können.
EYES WIDE SHUT ist keine Ausstellung, die man im Vorübergehen konsumiert. Sie verlangt Dauer, Unbehagen, die Anerkennung von Verstrickung. Das Labyrinth der Werke spiegelt das Labyrinth der Gegenwart: überwältigend, verzerrt, fragmentiert und zugleich unerbittlich in seiner Forderung, gesehen zu werden. Jedes Werk hält uns einen Spiegel unseres konditionierten Sehens vor und legt die selektive Blindheit offen, mit der wir durch das zeitgenössische Leben navigieren.
Die Ausstellung zu verlassen bedeutet nicht, das Labyrinth zu verlassen, sondern zu erkennen, dass wir längst in ihm leben – mit weit geöffneten und doch so oft verschlossenen Augen.